La Poiera

Algo de folk, algo de balada y mucha melodía, una propuesta argenta con mucho potencial. La Poiera es un dúo integrado por Ana Paula Turica y Sofía Aristarain, dos chicas con unas voces increíbles y con una forma de ejecutar la guitarra de manera fresca, original y muy interesante. Durante muchos años han girado por el circuito de bares de Buenos Aires, presentando temas propios y algunos covers de los artistas que han sido su principal referente. En el 2011 deciden comenzar a grabar su primer disco como cierre de un ciclo de muchas vivencias, alegrías y emociones dejando allí plasmadas las canciones que las acompañaron hasta aquí, y como una apertura a nuevas experiencias en el camino de la música. Luego de mucho trabajo La Poiera presenta en este 2012 "Célula Floral" disco que encierra y regala toda una historia de amistad, música, experiencias y vida.

Los invitamos a conocer a La Poiera:

DISCO NUEVO: "After Blue", de Tierney Sutton

Tierney Sutton dice descubrió a Joni Mitchell cuando oyó el glorioso álbum "Both Sides Now" (2000), casi una colección de standards. Un disco al que Tierney pone al nivel de "The Wee Small Hours" de Frank Sinatra, y "Lady in Satin" de Billie Holiday. En 2011 interpretó cuatro canciones de Mitchell durante una actuación con el Turtle Island String Quartet; ese concierto puso este proyecto en marcha.

Sutton interpreta a Joni Mitchell moviendose a través de diversas etapas creativas de la cantautora, que abarca las tendencias jazzísticas en su fraseo, la improvisación y la síncopa, y su amor compartido por el American Songbook.

Para quienes están acostumbrados a oír a Sutton reinterpretando standards de la época de oro, After Blue conserva sus particulares habilidades en el fraseo, la moderación y la honestidad emocional. Como disco, es tan notable como el de Herbie Hancock, "The Joni Letters", en el acercamiento creativo de la música de Mitchell a través de la tradición del jazz, y revela a Sutton en un pico vocal e interpretativo.

DISCO NUEVO: "Un mar de flores", de Lorena Astudillo

Por Jorge García (El Amante.com)

Para quien esto escribe Lorena Astudillo es tal vez la mejor cantante dentro de cualquier género dentro de la música popular argentina. Su prodigiosa voz, el absoluto dominio de todos los registros, una incomparable afinación y la tremenda expresividad que trasmite en cada uno de sus interpretaciones provoca que aquella afirmación no parezca de ningún modo antojadiza. Sus cuatro discos anteriores son el testimonio incontrastable de sus dotes vocales y de sus insuperables cualidades como intérprete de la obra de los más diversos compositores (Lorena fue la primera cantora que le dedicó un disco completo al Cuchi Leguizamón). Pero hete aquí que en su quinto esfuerzo discográfico, Astudillo decide estrenarse como compositora y el resultado es que trece de las quince obras le pertenecen en letra y música. Que una consumada intérprete decida convertirse intempestivamente en cantautora propone correr un indudable riesgo. Hay que apresurarse a decir que Lorena sale airosa del desafío, mostrándose como una muy competente compositora. Por supuesto que para que los resultados finales alcancen el muy buen nivel que muestran son también decisivos, por una parte, sus dotes de vocalista y, por otra, la calidad de los músicos con que se rodeó, que participan en varios casos como invitados  y el excelente nivel de los arreglos, en su mayoría de ese notable pianista todo terreno que es Pablo Fraguela. Músicos del talento de los tecladistas Eduardo Spimassi, Lilian Saba y Hugo Fattoruso, guitarristas como Osvaldo Burucuá,  Jorge Giuliano y Rudy Flores, el percusionista Matías Furió, el violinista Ramiro Gallo, la cellista Claudia Sereni y el acordeonista Niní Flores son una garantía para los aspectos instrumentales de cualquier disco.

Pero señalábamos las condiciones de Lorena como compositora y si tengo que destacar mis highlights debo comenzar por la vidala  Ollita de barro que da comienzo al disco y que muestra la mejor versión bagualera de Lorena, en un tema  que está a la altura de las mejores obras del género. Otros momentos destacados: la chacarera La “sin nombre”, con un gran arreglo de Spinassi, la tierna Zamba para mis hermanos, el huayno La verdad  y la canción Doña Clara, con excelentes arreglos de Fraguela, el candombe Libre de culpa y cargo y la bella canción De tanto esperar, con respectivos arreglos de Fattoruso y Saba.

Pero si me piden que señale el pico más alto del CD, este es la estremecedora versión de la Zamba del arribeño, de Juan Falú y Néstor Soria, donde la interpretación de Lorena, solo acompañada por el piano de Fraguela,  roza lo sublime. Un esperado disco que muestra una nueva faceta, la de compositora, de una cantora excepcional. 

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DISCO NUEVO: "Milagros", de Milagros Torrecilla

Este proyecto nace en el año 2010 con la idea de manifestar los distintos colores de nuestra tierra y Latinoamérica imprimiéndoles una impronta personal. De la mano de la percusión, la guitarra y las voces, investigamos las posibilidades tímbricas de los distintos instrumentos y su fusión con los diferentes ritmos interpretando un repertorio en ocasiones escondido de la música popular, con composiciones de Simón Díaz, Leda Valladares, Violeta Parra, Jorge Méndez, Marta Gómez, Francesca Ancarola, Elizabeth Morris, Cuchi Leguizamón, entre otros.

Milagros Torrecilla hace suyas canciones que representan las distintas regiones musicales de la Argentina, como ocurre con "Puentecito de la picada" de Méndez, "Doña Ubenza" de Echenique, "La Ollera" de Dávalos y Dávalos o "Tonada de la luna llena" de Díaz. Hay espacio para "La jardinera" de Violeta Parra o la recopilación de Leda Valladares, "Dueño no tengo". En todos los casos, al igual que en sus composiciones ("Duendes" y "Lazos"), Torrecilla canta con gracia y gran sensibilidad, a lo que suma su labor en el charango, el cuatro y la percusión. Con producción de Mariana Baraj (quien también se hace cargo de la percusión), la participación de Leo Gutiérrez, Lucas Nikotian y Juan Pablo Álvarez y una cuidada y original presentación gráfica, este disco debut de Torrecilla la presenta como una intérprete con un de gran potencial. (Fuente) 

DISCO NUEVO: "Foto de un buen día", de Vecina

En la vereda del sol

Por Guillermo dos Santos Coelho (Fuente)

Laura Ledesma y Marianela Cuzzani formaban parte del grupo de música latinoamericana Dasvidania, que llegó a grabar un disco. Cuando la banda se disolvió, las dos continuaron componiendo y robusteciendo un repertorio propio, bajo el nombre de Vecina. Con la simple idea de compartirlo, el dúo empezó a salir a la calle a tocarlo, domingo de por medio, para algunos amigos y vecinos del barrio de Colegiales. Con el aporte de Valeria Rapoport, que creaba ambientaciones visuales en tiempo real, más invitados aleatorios, el dúo convirtió esas presentaciones en la vereda en una cita firme que creció, se difundió "boca a boca" y hasta obligó a cortar calles. Ahora esas canciones llegan a un primer disco, "Foto de un buen día".

Hay que sumar a las chicas de Vecina a la lista de cancionistas contemporáneos que encuentran en ritmos latinoamericanos las herramientas para desarrollar un lenguaje propio, con una dosis equilibrada de desenfado, actitud relajada y placer por los pequeños detalles. "Foto de un buen día" es un hermoso espejo de dos mujeres cantando en una vereda sus canciones, por el mero placer de ofrecerlas. En un entorno acústico, el dúo canta sobre ensoñaciones, el placer de lo mundano y sentimientos sin complejos. La instrumentación (cuatro venezolano, mucho acordeón, cajón, ukelele, maracas, jarana, etc.) le da al proyecto cancionero sonidos delicados y cálidos. Y los juegos de voces son los de un dúo que es uno, y no dos encastrados a la fuerza. Sin poses ni sobreactuación, la naturalidad con la que fluyen las canciones sorprende. Temas como "Balneario", "La calma" o "Domingo" no sólo suenan. Levitan. 

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DISCO NUEVO: "Tres", de Laura Ros

Laura Ros está presentando su tercer disco. Compartimos aquí su música y una entrevista con la cantautora.

La frescura de la realidad

La hija de Antonio Tarragó Ros reunió un puñado de piezas que se balancean entre la calidez y la tensión; entre la chacarera, el blues, el country y la vidala; entre lo que se toca y una forma de tocar determinada por el buen gusto.

Por Cristian Vitale

Cantante contundente y cálida a dosis iguales; guitarrista versátil, compositora de músicas y letras –también a dosis iguales–, intérprete y, por si faltara algo, productora. “La verdad es que tenía muy claro el sonido que quería y fue clave el laburo en estudio, porque la prioridad estaba en el audio que les sacara a los instrumentos... tenía que ser perfecto”, sentencia Ros.

Jamás lo diría ella, pero el plus matriz es que Tres es un espléndido disco de canciones. Once piezas que se balancean entre la calidez y la tensión; entre la chacarera, el blues, el country y la vidala; entre lo que se dice y una forma de decir intensa; entre lo que se toca y una forma de tocar determinada por el buen gusto. Por el propio, que deviene de su pluma musical y poética (ocho de las once canciones le corresponden) y por el ajeno, que no sólo se traduce en el trío básico, sino en una serie de colaboradores entre los que cuentan Javier Casalla, Chacho Ruiz Guiñazú, Tito Losavio, Daniel Patanchón y su compañero Federico Gil Solá. 

–¿Cómo construyó su personalidad musical frente a la de su padre? En principio, en sus canciones aparece poco y nada el litoral.

–Es que las circunstancias de su vida y las mías han sido tan diferentes, que es muy difícil que el resultado sea parecido. Por supuesto que hay puntos de encuentro. Por ejemplo, el tema de las melodías que para mí es el corazón de lo que hago, mucho más que la armonía. Y esto es muy de mi viejo, pero en esa coincidencia, a su vez, aparece una otredad, porque mis melodías tienen un color campestre, pero también un color urbano, una influencia de todo lo que escuché de rock argentino. Mis influencias no tienen nada que ver con las suyas. Celeste Carballo fue la que más me marcó en mi vida, pero también Mercedes Sosa, Julia Zenko, Bonnie Raitt o Mike Patton, cuya voz es un instrumento de amplios usos.

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DISCO NUEVO: "El espíritu de la golosina", de Jimena López Chaplin

     El daguerrotipo del arte de tapa (formato de composición visual anterior a la fotografía) es tal vez un anzuelo para ir más allá con la imaginación y ver a López Chaplin como la heroína de una película de Tarantino que no se lucirá con artes marciales sino desenfundando su acústica, batallando a fuerza de canciones folkies y sonidos sombríos, con un fondo desértico o campero. El espíritu de la golosina lanza imágenes de un spaghetti western femenino, refinado y sutil, donde los violines hacen su aporte justo de delicadeza. Las guitarras eléctricas de Alfonso Barbieri instigan a cabalgar por esos paisajes en canciones como Distinta, Tiempo y A pesar del vuelo, escrita junto a María Ezquiaga (Rosal). Tal vez sea un fallido o puro mimetismo con sus composiciones, cuando Jimena dice que este flamante disco representa un momento en su vida, “el de tomar las riendas”, montar ese caballo e ir en busca de lo suyo.

     En un hilo conceptual e integral se suceden los temas, viajados por la armónica voz de López Chaplin. En Somos el cielo, de Los Visitantes, canta en dueto con Nacho Rodríguez (Onda Vaga) y alcanza el clímax del dulzor; en Lo que me gusta de vos es tu novio, de la mítica banda ska The Specials, le pone swing a un calipso tradicional y canta en castellano. Laberinto, de David Bowie, representa su infancia: “Ese tema forma parte de una película que yo vi hasta el hartazgo, al punto de saberme los diálogos”, cuenta esta chica que empezó con la música como una forma inevitable de matar el tiempo con una guitarra en mano y el encierro de las paredes de su cuarto adolescente y un hermano que le tiró una onda musical. Charly García, Todos Tus Muertos, Joaquín Sabina, Nirvana, Los Visitantes y sus genes artísticos le dieron de comer esos caramelos con los que luego Jimena alimentaría su vuelo musical.

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UN DISCO: "Por esos caminos", de Lucía Pulido

     Lucía Pulido es una cantante colombiana con una de las voces más ricas en la escena internacional de América Latina. Con un estilo experimental y sofisticado, ha participado en diversos proyectos, que van desde la música tradicional colombiana a la música jazz y del mundo. Géneros tradicionales como la cumbia y el bullerengue de la costa atlántica, currulaos de la costa del Pacífico, así como joropos de los Llanos Orientales de Colombia son el punto de partida de su creatividad musical. La capacidad vocal de Lucía ha brillado en géneros tales como las canciones pastoriles, cantos de vaquería, lamentos fúnebres (alabaos) y cantos de la cosecha, que dan a la cantante de la libertad para explorar su voz por completo. En Colombia, formó parte del dúo "Iván y Lucía" durante más de diez años con el cantante y compositor Iván Benavides, con el que grabó tres LP es entre 1986-1991. Después, con su llegada a Nueva York en el año 1994, Pulido se ha centrado en dar un enfoque experimental a los ritmos tradicionales.

El último disco editado hasta el momente por Lucía es "Por esos caminos" (2011). Destaca en Lucía Pulido, luego de treinta años de trayectoria, la insistencia por explorar con sutileza y obsesión parte del cancionero popular latinoamericano a través de formatos cercanos al jazz aunque, valga la aclaración, Pulido no es una cantante de jazz, lo que le permite, paradójicamente, darse muchas libertades. Acompañada de un puñado de músicos residentes en Nueva York (familiarizados todos ellos con la escena de vanguardia de la ciudad) y bajo la dirección musical del guitarrista colombiano Sebastián Cruz, Lucía presenta un disco al que no le sobra una sola nota. Desde la apertura con el bullerengue “A pilar arroz” de la cantadora Estefanía Caicedo hasta la desgarrada versión de “Malagueña”, Por esos caminos es uno de esos discos que pueden repetirse una y otra vez sin que el oído se canse.

Aunque hay cierta sensación de nostalgia y de tristeza constante, Pulido nos regala pasajes radiantes como “Ayer pasé por tu casa”, una versión feliz de “El manduco”, otra pieza original de Caicedo o “Señor Pascual”, una retahíla pintoresca de la tradición oral del pacífico colombiano. De todas maneras es un disco que contiene una sensación dramática al punto de que los mejores momentos se encuentran en “Canta la gavana”, “Por qué me pegas” de Etelvina Maldonado y, especialmente, con “El calavero”, versión libre de una de esas canciones memorables del controvertido Edson Velandia. Tímida y de aspecto frágil, Lucía Pulido se ha tomado muy a pecho la celebración de sus treinta años dedicados al canto pues, definitivamente, presenta el disco más hermoso de su carrera. Cierre los ojos, deje correr la música, sumérjase en un sueño extático y piérdase en medio de un rito misterioso que, de verdad, regocija. Allí está esa “Flor de mayo”: luminosa. Hasta se escapan las lágrimas.

Fuente: Luis Daniel Vega, Revista Arcadia

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UN DISCO: "Canción de viaje", de Soledad Villamil

Por Sergio Sánchez
Página/12

En su último disco, Canción de viaje (2012), la actriz, cantante y compositora Soledad Villamil adoptó la principal particularidad del viajero: la inquietud por no quedarse siempre en un mismo lugar y descubrir nuevos paisajes, culturas y realidades. Es que si bien en sus dos trabajos anteriores como solista –Canta (2007) y Morir de amor (2009)– ponía el foco en el tango, en esta nueva etapa musical asumió el riesgo de abordar diversos géneros folklóricos de la región. De esa manera, la protagonista de El secreto de sus ojos recorre el cancionero popular latinoamericano y recupera a autores imprescindibles como Violeta Parra (“Maldigo del alto cielo”), Pablo Milanés (“De qué callada manera”), Leo Masliah (“Biromes y servilletas”), Homero Manzi (“Desde el alma”) y Fernando Maldonado (“Volver, volver”). Además, muestra cuatro composiciones propias atravesadas por la ausencia y la pérdida o el “desgarro amoroso”, como prefiere definir ella. En este nuevo trabajo, Villamil demuestra no sólo una interesante amplitud musical, sino una madurez como intérprete y cantante. Su voz se pasea por diversos colores y sonoridades: rumba, vals, bolero, trova, canción uruguaya y samba son algunos de los estilos que conviven en el disco.

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Las Taradas, Orquestina de Señoritas

Las Taradas se van a presentar el domingo 28 de julio, a las 20:00 en C'Est laVie (55 e/ 4 y 5 n° 458, La Plata). Para conocer un poco más a este grupo formado por siete mujeres, compartimos una entrevista y escuchamos su disco, "Son y se hacen" (2012, RGS Music).

Canciones antiguas interpretadas hoy

Por Karina Micheletto, Página/12

     Se llaman Las Taradas, son una orquesta de señoritas y su nombre y formación son tan particulares como la música que hacen: un repertorio de lo más variado, hecho no tanto de clásicos como de “lados B” y que puede incluir tanto a Django Reinhardt como a alguna vieja canción italiana o brasileña, o alguna que popularizó Elvis Presley, o alguna de María Elena Walsh. Con una pátina estética de época que tira un link directo a los ’50, Las Taradas advierten sin embargo que no hay una búsqueda “vintage” en lo suyo: “Somos una Orquestina de Señoritas versión 2012, hacemos canciones antiguas interpretadas hoy”, se plantan. Las siete músicas que se subieron a este proyecto están presentando su disco debut, Son y se hacen.

     También la manera en que surgió el grupo es bastante particular, cuentan Las Taradas. Fue, en definitiva, a la inversa de lo que suele suceder, porque lo primero que apareció fue el nombre. “Estábamos con Paula Maffía viendo unos videos de las Bosswell Sisters, en donde cantan cabeza con cabeza, ¡una imagen muy tarada!”, cuenta Lucy Patané, que pone voz en el grupo (como todas las integrantes) y toca la guitarra. “Paula expresó su deseo de alguna vez tener una banda ‘con taradas así’, entonces ahí yo dije: ‘¡Si vas a hacer esa banda, ponele Las Taradas!’.” El asunto siguió al principio como un juego: “Pensando en armar una especie de dream team, convocamos a nuestras amigas y buenas músicas que admirábamos. Y así surgió –sigue Maffía–. Siempre estuvo claro que el repertorio iba a ser una época y no un estilo, y sobre todo acústico, ya que todas veníamos del rock”, recuerdan.

     “Creo que lo que hizo que este proyecto sea fructífero fue que todas veníamos con presiones de otros proyectos, y acá encontramos en un principio distensión”, reflexiona Martínez. “¡Luego se nos fue un poco de las manos! Empezó a venir mucha gente a los shows y nos subimos al viaje de grabar un gran disco”, se entusiasma.

    La formación de Las Taradas incluye una historia con personajes, asumidos por cada una de las integrantes: en escena (y en el arte del disco) ellas son Lucía de Paco, Encarnación de los Males, Cheetarah Rodríguez, Luisa Malatesta, Exaltación de la Cruz, Maricarmen Montengro y Nidia López do Pandeiro. Un juego que introducen de algún modo en el vivo, aunque el foco esté siempre puesto en la música y no en los personajes que la llevan adelante. “Lo de los personajes también arrancó como un juego: un juego de nombres de alteregos”, recuerdan. “En todos los encuentros o ensayos las historias van cambiando. Y en vivo es súper espontáneo, no hay nada de guión, nada pautado. Somos nosotras mismas”, aseguran.

–Es difícil llevar adelante un proyecto de siete integrantes. ¿Cuáles son los pro y los contra de ser una banda populosa?

Lucy Patané: –Ser un grupo numeroso hace que quizá sea un grupo difícil de mover, para viajar, para probar sonido... Pero a la vez es muchísimo más positivo, no sólo a la hora de repartir tareas, sino que también la energía del grupo mismo se distiende en todas nosotras. No es lo mismo una banda de tres personas: aunque parezca que es a la inversa, tratar un problema es muchísimo más trabajoso en un grupo de tres que de siete personas.

–El repertorio es realmente muy variado, aquí sí que cabe el adjetivo gastado: “ecléctico”. ¿Cómo lo armaron?

Paula Maffía: –El repertorio surge de manera muy natural y espontánea. Está claro que no hacemos “clásicos”, sino más bien “lados B”. Esta idea de no hacer un estilo, sino una época nos dio el pie a cada una de nosotras a investigar. Todas venimos del palo del rock, entonces creo que lo que hace interesante a Las Taradas es que no tenemos una manera ortodoxa de interpretar estas canciones, sino que las adecuamos al estilo de cada una, a esta época. Por eso Las Taradas ya tienen su propio estilo. El disco se grabó en Estudios ION, en vivo, todas juntas, sin auriculares, como se grababa antes. Queríamos escucharnos realmente de manera directa. La mezcla, a cargo de Pablo Hadida, también fue llevada de manera analógica. Eso sí, no buscamos un sonido “vintage”: somos una Orquestina de Señoritas versión 2012, hacemos canciones antiguas interpretadas hoy.

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DISCO NUEVO: "Instante", de Marina Luppi

     Marina Luppi, profesora de música y directora de coros, comenzó a presentarse en escenarios en 2008 a dúo con María Laura Caballero, componiendo y difundiendo obras de nuestra música por diferentes ciudades de nuestro país. Aquel año comienza a vincularse con “Charangos del Mundo” y actúa en la ciudad peruana de Cusco. Durante los años 2009 y 2010 trabaja con diferentes formaciones instrumentales, presentándose en Salta, Jujuy y Buenos Aires. En 2011 vuelve a presentarse en el prestigioso ciclo “Charangos del Mundo”, esta vez en Pasto, Colombia, junto a Pilo García, y forma el grupo musical que la acompaña actualmente.

    

    El disco Instante (Epsa Music, 2012) fue hecho por Marina Luppi, Leonardo Andersen, Aníbal Domínguez, y Pablo Quiñones, quienes cantaron, tocaron, compusieron y arreglaron canciones tanto del folklore argentino como de compositores latinoamericanos.

    Leonardo Andersen, guitarrista del grupo, demuestra una sólida formación artística no sólo en el acompañamiento sino también en los interesantes arreglos de las melodías. Aníbal Domínguez  no le va en zaga con cuidadas interpretaciones en quena y flauta traversa, de indudable belleza.

     Juan Falú, Pilo García, Liliana Herrero, Pablo Fraguela, y desde Chile Danilo Toledo Gavilán y Antonio Morales también dejaron su sonido en él y el maestro Juan José Manauta nos ha regalado sus versos.Uno de los méritos de Marina es interpretar un repertorio de canciones poco difundidas de grandes creadores argentinos, como Ay, provincia tendida, aire de triunfo de Francisco Lanusse y Carlos Moscardini y la Zamba del lino, acompañada aquí por Liliana Herrero y por la voz del autor entrerriano Juan José Manauta. Garzas viajeras, creación de Aníbal Sampayo, resalta en la hermosa voz de Marina, acompañada por Leonardo y Aníbal, a quienes se suma Pablo Quiñones en percusiones.  

     Siguiendo con una buena elección de repertorio, Luppi aporta varias obras de Jose Antonio “Pepe” Núñez y Juan Falú, como Rosario Pastrana, Gato panza arriba (obviamente en ritmo de “gato”) y Zonko querido.  

       La música es un vehículo maravilloso para transitar la vida. Este es sólo un disco. Una hermosa oportunidad para el encuentro con cada una de las personas que lo habitan. Un momento compartido. Un instante: lo efímero… y el presente continuo.

Fuentes:

Epsa Music

Sonidos de mi Argentina

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UN DISCO: "Ningún lugar", de Gabriela Torres

     La cantante y compositora Gabriela Torres, que debutó discográficamente en 1994 con Sin cielo ni gloria, producido por Lito Vitale, presentó en 2012 su último registro, Ningún lugar, editado en forma independiente y con arreglos y dirección musical de Luis Volcoff.

     El sexto álbum de Torres contiene diez composiciones, la mayoría de su autoría, donde la cantante ofrece una fuerte impronta rioplatense (tango, candombe, milonga) y toques de bossa nova y ritmos latinoamericanos. Ningún lugar es un disco cálido, alejado de las estridencias, con una amplia paleta sonora y un particular hincapié en los textos.

     Torres ratifica sus bondades vocales y compositivas brindando aquí un trabajo homogéneo a pesar de la diversidad estilística imperante. Dentro de un nivel muy parejo, destacan la calidez de Busco, el espíritu candombero con aires de milonga de Un Chicupá, y el cierre, con la intimista A veces.

     Ningún Lugar muestra a Torres en un estado de madurez compositiva e interpretativa que hace desear que, para su próximo registro, no debamos esperar tanto…

Fuente

Leer más: Entrevista en Página/12

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DISCO NUEVO: Isabel de Sebastián

     Fue una de las pocas mujeres en el rock local de los ’80, una chica rebelde y aristocrática, nieta de Rafael Alberti, integrante de las Bay Biscuits, fundadora de Metrópoli, dueña de una voz hermosa que cantó hits como “Héroes anónimos” y coros con Virus y Spinetta. En 1989 se fue a Nueva York y se enamoró de Bob Telson, el autor de la música de Bagdad Café. Allá vivió hasta 2003, cuando decidió volver a la Argentina. Y ahora decidió, también, volver a la música con un disco que lleva su nombre, entre sus perlas, un poema de su abuelo musicalizado por Spinetta. Un disco de regreso sin estridencias, con el encanto de siempre.

     

     Isabel es capaz de cantar canciones de Daniel Melingo y Carmen Baliero, rapear con Machito Ponce y homenajear a Mercedes Sosa, todo en un mismo disco. Y también de recuperar rastros de su pasado, como aquel Héroes anónimos que se mantuvo vigente gracias a Catupecu Machu, y un sorprendente En camino, que compuso con Gustavo Cerati para el disco Signos (1986), de Soda Stéreo, un detalle que la confirma como protagonista de aquellos ’80, aun cuando –como intenta explicar– por haberse ido a Sevilla, supo perder su silla. Pero Isabel de Sebastián no perdió el tren –o el colectivo, digamos–, y quiere estar de vuelta. Uniendo mundos y estilos. Presente y pasado. Canción a canción.

Viaje al más acá, Martín Pérez, Página/12. (Nota completa)

     De adelante para atrás, Isabel de Sebastián mezcla momentos de una misma historia. La dupla con su pareja Bob Telson se concreta en Aquí, una de las joyas de un disco que tiene varias, compuesta a cuatro manos. Con clima de western en los Valles Calchaquíes, De Sebastián se escucha reconcentrada en la pertenencia, después de tanto viaje y camino. En Te mataría, le pone voz ominosa a un bolero criminal de la pluma de Carmen Baliero. Y puede dar un salto festivo con la cumbia peruana Cariñito (con rapeo de Machito Ponce) sin que se pierda el hilo del sonido general. Y para Corazón y hueso, limpia la versión original de Daniel Melingo, tanguera y sucia, y cambia los violines por guitarra surfer para un viaje rutero de antología. Más allá en el tiempo, los 80 tienen su momento. La versión de En camino, con Leo García haciendo de perfecto copiloto, suena a rock californiano terso con sus nuevos arreglos. Y el hit perpetuo de Metrópoli, Héroes anónimos, baja un cambio, pero no pierde una pizca de épica.

     Para el final del disco, el comienzo. El álbum termina con las primeras señales de la hoja de ruta de la cantante. Ese mapa arranca muy lejos, en su niñez, con Rafael Alberti, pareja de su abuela. Del gran poeta, con música de Luis Alberto Spinetta, suena conmovedora Canción del ángel sin suerte. “Le di a Luis el libro Sobre los ángeles de Rafael Alberti (marido de mi abuela María Teresa León por más de medio siglo) para ver si se inspiraba. A la semana vino con este tema. El año pasado, atravesada por la ausencia de Luis, traté de encontrar la versión que había grabado para un disco que nunca llegó a mezclarse, pero se me había traspapelado. Por suerte la encontré en un cassette y se la pasé a mi banda”.

De Rafael Alberti a Soda y Spinetta, una autobiografía, Guillermo dos Santos Coelho, Clarín (Nota completa)

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