DISCO NUEVO: "After Blue", de Tierney Sutton

Tierney Sutton dice descubrió a Joni Mitchell cuando oyó el glorioso álbum "Both Sides Now" (2000), casi una colección de standards. Un disco al que Tierney pone al nivel de "The Wee Small Hours" de Frank Sinatra, y "Lady in Satin" de Billie Holiday. En 2011 interpretó cuatro canciones de Mitchell durante una actuación con el Turtle Island String Quartet; ese concierto puso este proyecto en marcha.

Sutton interpreta a Joni Mitchell moviendose a través de diversas etapas creativas de la cantautora, que abarca las tendencias jazzísticas en su fraseo, la improvisación y la síncopa, y su amor compartido por el American Songbook.

Para quienes están acostumbrados a oír a Sutton reinterpretando standards de la época de oro, After Blue conserva sus particulares habilidades en el fraseo, la moderación y la honestidad emocional. Como disco, es tan notable como el de Herbie Hancock, "The Joni Letters", en el acercamiento creativo de la música de Mitchell a través de la tradición del jazz, y revela a Sutton en un pico vocal e interpretativo.

Badi Assad (Brasil, 1966)

    Badi Assad, es el nombre artístico de Mariângela Assad Simão, (São João da Boa Vista, 1966) es una guitarrista, cantante, percusionista y compositora brasileña.

   
    Proviene de una familia de gran tradición musical. Su padre, Jorge Assad, de ascendencia libanesa, toca el bandolim (mandolina), y sus dos hermanos mayores, Sergio Assad y Odair Assad, son guitarristas y forman el Dúo Assad. Badi Assad estudió guitarra clásica en la universidad de Río de Janeiro y ganó el Concurso joven de los instrumentistas en Río de Janeiro en 1984. En 1986, se unió a la Orquesta de guitarras de Río de Janeiro, dirigida por el guitarrista Turíbio Santos. En 1987, la nombraron "mejor Guitarrista brasileño" en el Festival internacional Villa-Lobos. Antes de 1987, ya había actuado en Europa, Israel y Brasil con el guitarrista Françoise-Emmanuelle Denis bajo el nombre de Dúo Romantique. 

Ha tocado y grabado con muchos artistas notables, especialmente del ámbito del jazz, como Cyro Baptista, Pat Metheny, John Abercrombie, George Benson, Mariza, Bobby McFerrin y Hermeto Pascoal. Así la definió Toquinho: "En la música, encontramos artistas talentosos, muy talentosos. Pero existe el talento raro, el brillante puro, casi imposible de encontrar. Ese es el caso de Badi Assad. No sólo es un placer oirla tocar y cantar: verla dominar su raro universo musical es también un placer estético. Su sonido es supremo, lleno de variaciones armónicas y rítmicas que acarician el corazón."

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María Márquez (Caracas, Venezuela)

María Márquez tiene sus inicios musicales a finales de los años 70, junto al músico electrónico Vytas Brenner. Durante su carrera se ha paseado por los terrenos del jazz, la música brasilera, la electrónica y, como punto de partida para toda su labor, la música folklórica venezolana. Además de cantante María Márquez se ha destacado como productora musical y también radial. En la radio fue pionera en Venezuela en colocar el género llamado "World Music", a través de la emisora cultural.

Con estudios realizados en Berklee College of Music, de Boston, María Márquez ha ido desarrollando un concepto muy particular de trabajo al fundir expresiones musicales autóctonas con los más avanzados recursos técnicos y conceptos vanguardistas de música electrónica. Muestra de ello son las versiones que realizó del "Canto de Pilón" y de "Campesina", tema de Juan Vicente Torrealba, que tuvieron gran aceptación y que han sido incluidas en varias recopilaciones de World Music. Su vida profesional se ha desarrollado principalmente es Estado Unidos, país donde reside, pero sin abandonar el contacto con la tierra natal.

Sirva esta breve introducción, para compartir un poco de la música de esta gran artista.

Aquí una versión electrónica, producida por Milk & Sugar de la canción "Canto del Pilón"

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Grace Cosceri

En el Parakultural fue Mescalina o Milú, una inquietante muñeca envuelta en celofán. Al mismo tiempo, sin que lo supiera nadie del under, cantaba con un trío de jazz en Oliverio. Entrenó vocalmente a los Illya Kuryaki y al mismísimo Spinetta, a quien acompañó desde Los Ojos hasta Pan. Señoras y señores, Graciela Cosceri (después no digan que no les avisamos).
Aquí, compartimos su disco, "Colecciones". 

Como yapa, compartimos el "Tema de Titania", grabada para la obra de teatro Puck, de Claudio Gallardou. La música es de L.A. Spinetta y la letra del propio Gallardou.

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Sarah Vaughan en vivo

Compartimos con ustedes una grabación en vivo de la gran Sarah Vaughan realizada en enero de 1964 en Estocolmo. Escuchamos Misty (de Erroll Garner), y María (del musical "West Side Story," de Leonard Bernstein).

Sofía Tosello (Argentina)

     Muchos tienen el sueño de viajar y brillar en el exterior. A Sofía Tosello se le cumplió. La talentosa cantante argentina nacida en Córdoba apostó a Nueva York cuando tenía 18 años y viajó para seguir un sueño mágico: estudiar jazz y ser cantante de Disney. Sin embargo, la Gran Manzana le mostró un camino diferente que la llevó a reivindicar sus raíces junto a otros artistas latinoamericanos. Ahora, la rubia de ojos celestes y cara angelical está presentando Tangolandó, una propuesta que fusiona el tango y su pasión desgarradora con la sensualidad y picardía de los géneros criollos y afroperuanos.

La idea original fue de su amigo Yuri Juárez, un guitarrista contemporáneo de Perú que le propuso a la artista argentina darle vida a las letras con su voz. Creativa y arriesgada, ahora regresa con una innovadora mezcla de ritmos resultado de su experiencia en una ciudad tan variada y cosmopolita como Nueva York, donde convergen intercambios y manifestaciones artísticas de todo el mundo. Este es su segundo disco después de Alma y Luna.

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UN DISCO: "Por esos caminos", de Lucía Pulido

     Lucía Pulido es una cantante colombiana con una de las voces más ricas en la escena internacional de América Latina. Con un estilo experimental y sofisticado, ha participado en diversos proyectos, que van desde la música tradicional colombiana a la música jazz y del mundo. Géneros tradicionales como la cumbia y el bullerengue de la costa atlántica, currulaos de la costa del Pacífico, así como joropos de los Llanos Orientales de Colombia son el punto de partida de su creatividad musical. La capacidad vocal de Lucía ha brillado en géneros tales como las canciones pastoriles, cantos de vaquería, lamentos fúnebres (alabaos) y cantos de la cosecha, que dan a la cantante de la libertad para explorar su voz por completo. En Colombia, formó parte del dúo "Iván y Lucía" durante más de diez años con el cantante y compositor Iván Benavides, con el que grabó tres LP es entre 1986-1991. Después, con su llegada a Nueva York en el año 1994, Pulido se ha centrado en dar un enfoque experimental a los ritmos tradicionales.

El último disco editado hasta el momente por Lucía es "Por esos caminos" (2011). Destaca en Lucía Pulido, luego de treinta años de trayectoria, la insistencia por explorar con sutileza y obsesión parte del cancionero popular latinoamericano a través de formatos cercanos al jazz aunque, valga la aclaración, Pulido no es una cantante de jazz, lo que le permite, paradójicamente, darse muchas libertades. Acompañada de un puñado de músicos residentes en Nueva York (familiarizados todos ellos con la escena de vanguardia de la ciudad) y bajo la dirección musical del guitarrista colombiano Sebastián Cruz, Lucía presenta un disco al que no le sobra una sola nota. Desde la apertura con el bullerengue “A pilar arroz” de la cantadora Estefanía Caicedo hasta la desgarrada versión de “Malagueña”, Por esos caminos es uno de esos discos que pueden repetirse una y otra vez sin que el oído se canse.

Aunque hay cierta sensación de nostalgia y de tristeza constante, Pulido nos regala pasajes radiantes como “Ayer pasé por tu casa”, una versión feliz de “El manduco”, otra pieza original de Caicedo o “Señor Pascual”, una retahíla pintoresca de la tradición oral del pacífico colombiano. De todas maneras es un disco que contiene una sensación dramática al punto de que los mejores momentos se encuentran en “Canta la gavana”, “Por qué me pegas” de Etelvina Maldonado y, especialmente, con “El calavero”, versión libre de una de esas canciones memorables del controvertido Edson Velandia. Tímida y de aspecto frágil, Lucía Pulido se ha tomado muy a pecho la celebración de sus treinta años dedicados al canto pues, definitivamente, presenta el disco más hermoso de su carrera. Cierre los ojos, deje correr la música, sumérjase en un sueño extático y piérdase en medio de un rito misterioso que, de verdad, regocija. Allí está esa “Flor de mayo”: luminosa. Hasta se escapan las lágrimas.

Fuente: Luis Daniel Vega, Revista Arcadia

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Una perla de Billie Holiday

     Compartimos con ustedes una preciosa rareza: Billie Holiday, acompañada al piano por su amigo Teddy Wilson, interprentando "The Man I Love", de los hermanos Gershwin. 

     La grabación se realizó la noche en que Billie ganó el premio Golden Esquire, en 1947.

Las Taradas, Orquestina de Señoritas

Las Taradas se van a presentar el domingo 28 de julio, a las 20:00 en C'Est laVie (55 e/ 4 y 5 n° 458, La Plata). Para conocer un poco más a este grupo formado por siete mujeres, compartimos una entrevista y escuchamos su disco, "Son y se hacen" (2012, RGS Music).

Canciones antiguas interpretadas hoy

Por Karina Micheletto, Página/12

     Se llaman Las Taradas, son una orquesta de señoritas y su nombre y formación son tan particulares como la música que hacen: un repertorio de lo más variado, hecho no tanto de clásicos como de “lados B” y que puede incluir tanto a Django Reinhardt como a alguna vieja canción italiana o brasileña, o alguna que popularizó Elvis Presley, o alguna de María Elena Walsh. Con una pátina estética de época que tira un link directo a los ’50, Las Taradas advierten sin embargo que no hay una búsqueda “vintage” en lo suyo: “Somos una Orquestina de Señoritas versión 2012, hacemos canciones antiguas interpretadas hoy”, se plantan. Las siete músicas que se subieron a este proyecto están presentando su disco debut, Son y se hacen.

     También la manera en que surgió el grupo es bastante particular, cuentan Las Taradas. Fue, en definitiva, a la inversa de lo que suele suceder, porque lo primero que apareció fue el nombre. “Estábamos con Paula Maffía viendo unos videos de las Bosswell Sisters, en donde cantan cabeza con cabeza, ¡una imagen muy tarada!”, cuenta Lucy Patané, que pone voz en el grupo (como todas las integrantes) y toca la guitarra. “Paula expresó su deseo de alguna vez tener una banda ‘con taradas así’, entonces ahí yo dije: ‘¡Si vas a hacer esa banda, ponele Las Taradas!’.” El asunto siguió al principio como un juego: “Pensando en armar una especie de dream team, convocamos a nuestras amigas y buenas músicas que admirábamos. Y así surgió –sigue Maffía–. Siempre estuvo claro que el repertorio iba a ser una época y no un estilo, y sobre todo acústico, ya que todas veníamos del rock”, recuerdan.

     “Creo que lo que hizo que este proyecto sea fructífero fue que todas veníamos con presiones de otros proyectos, y acá encontramos en un principio distensión”, reflexiona Martínez. “¡Luego se nos fue un poco de las manos! Empezó a venir mucha gente a los shows y nos subimos al viaje de grabar un gran disco”, se entusiasma.

    La formación de Las Taradas incluye una historia con personajes, asumidos por cada una de las integrantes: en escena (y en el arte del disco) ellas son Lucía de Paco, Encarnación de los Males, Cheetarah Rodríguez, Luisa Malatesta, Exaltación de la Cruz, Maricarmen Montengro y Nidia López do Pandeiro. Un juego que introducen de algún modo en el vivo, aunque el foco esté siempre puesto en la música y no en los personajes que la llevan adelante. “Lo de los personajes también arrancó como un juego: un juego de nombres de alteregos”, recuerdan. “En todos los encuentros o ensayos las historias van cambiando. Y en vivo es súper espontáneo, no hay nada de guión, nada pautado. Somos nosotras mismas”, aseguran.

–Es difícil llevar adelante un proyecto de siete integrantes. ¿Cuáles son los pro y los contra de ser una banda populosa?

Lucy Patané: –Ser un grupo numeroso hace que quizá sea un grupo difícil de mover, para viajar, para probar sonido... Pero a la vez es muchísimo más positivo, no sólo a la hora de repartir tareas, sino que también la energía del grupo mismo se distiende en todas nosotras. No es lo mismo una banda de tres personas: aunque parezca que es a la inversa, tratar un problema es muchísimo más trabajoso en un grupo de tres que de siete personas.

–El repertorio es realmente muy variado, aquí sí que cabe el adjetivo gastado: “ecléctico”. ¿Cómo lo armaron?

Paula Maffía: –El repertorio surge de manera muy natural y espontánea. Está claro que no hacemos “clásicos”, sino más bien “lados B”. Esta idea de no hacer un estilo, sino una época nos dio el pie a cada una de nosotras a investigar. Todas venimos del palo del rock, entonces creo que lo que hace interesante a Las Taradas es que no tenemos una manera ortodoxa de interpretar estas canciones, sino que las adecuamos al estilo de cada una, a esta época. Por eso Las Taradas ya tienen su propio estilo. El disco se grabó en Estudios ION, en vivo, todas juntas, sin auriculares, como se grababa antes. Queríamos escucharnos realmente de manera directa. La mezcla, a cargo de Pablo Hadida, también fue llevada de manera analógica. Eso sí, no buscamos un sonido “vintage”: somos una Orquestina de Señoritas versión 2012, hacemos canciones antiguas interpretadas hoy.

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Sofía Rei (Argentina)

Sofía Rei Koutsovitis es una cantante, compositora, arregladora y productora argentina. Actualmente instalada en New York, debutó a los 9 años como integrante del Coro Estable del Teatro Colón. Algunos años más tarde (en 2001) se fue a Boston a estudiar canto, composición e improvisación para radicarse en New York en 2005. No ha perdido el tiempo, habida cuenta de las giras que ha realizado por Asia, Europa, Estados Unidos y Sudamérica y por sus trabajos, presentaciones o colaboraciones con artistas como John Zorn, John Scofield, Avantango, Maria Schneider y un larguísimo etcétera.

     Sofía debutó discográficamente en el año 2006 con "Ojalá", editado en E.E.U.U. en forma independiente. El disco incluye composiciones propias, versiones de temas de Silvio Rodríguez -adivinen cuál-, Carnota, Cuchi Leguizamón, Falú/Dávalos, Paulinho Da Viola, Ica Novo y el clásico "You Don’t Know What Love Is", más la musicalización del tremendo poema de Jorge Luis Borges "El suicida".

     Koutsovitis editó, a finales de 2009, su segundo CD como solista titulado "Sube azul". A diferencia de su antecesor, la cantante se hizo cargo de la mayoría de las composiciones del CD, así como también de los arreglos y de la producción (junto con Jorge Roeder). Todos los temas están interpretados en castellano, partiendo desde diversos ritmos latinoamericanos pero incorporando elementos de, entre otros, jazz, música de cámara y ritmos africanos; el acompañamiento instrumental difiere en cada una de las composiciones, aunque el núcleo está conformado por su propio grupo.

 

     En 2012 le llegó el turno a "De tierra y oro", que cumple con ciertas premisas instaladas y certificables en sus discos solistas anteriores. Porque Sofía Rei, en los Estados Unidos, no se ha entregado mansamente sino que, haciendo uso de sus convicciones, se ha integrado a la escena musical norteamericana (y europea y asiática) con sus propias composiciones, cantando en castellano y echando mano al acervo cultural / musical latinoamericano. Y lo hizo de perlas. Por supuesto que para que ello fuere posible, Sofía Rei cuenta con dotes vocales poco habituales, un enorme talento a la hora de componer, arreglar, producir e interpretar y una potente personalidad.

    Con "De tierra y oro", se consolida como una de las voces más expresivas de los últimos tiempos. Esto no sólo remite a su país de origen ni tampoco anula otras dotes de, al menos, similar valía: sus textos, composiciones, arreglos, personalidad y liderazgo no son cualidades fáciles de encontrar (todas) en una artista.

     Que en "De tierra y oro" conjuga elementos de diferentes estilos (como el jazz, la libre improvisación y los distintos ritmos latinoamericanos –chacareras, landós, tamboras, carnavalitos-) logrando, como resultante, un sonido singular en el que cohabitan en perfecta armonía bombos legüeros, guitarras eléctricas y acústicas, trombones, arpas, trompetas, maracas, marimbas, charangos, loops, cajones, congas, contrabajos, etc.

     Sofía Rei, además, no reniega de sus raíces ni le escapa a los permanentes desafíos en los que se ha (y la han) involucrado, aportando sus capacidades y nutriéndose, con un espíritu inquieto infrecuente, de elementos que sabe absorber para luego ponerlos al servicio de su música.

Una gran artista a descubrir.


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DISCO NUEVO: "The Blue Room", de Madeleine Peyroux

     La voz de Madeleine Peyroux es una paradoja. Claramente inspirada por Billie Holiday, por lo que ha sido criticada y exaltada, Peyroux ha asimilado y convertido esta influencia en un instrumento tan único como moderno. En su último disco, pone su particular voz al servicio de una re lectura de un puñado de clásicos de la música popular norteamericana. 

     En 1962, Ray Charles grabó "Modern Sounds In Country And Western Music". En aquel disco, Charles reconvirtió al soul algunas de las canciones más representativas del country-folk americano en un intento de hacer más expansivos estos dos estilos. Pasados cincuenta años de aquel disco, Peyroux ha seleccionado cinco de sus canciones para incluir en su nuevo trabajo titulado "The Blue Room". Entre las canciones que completan el CD, sobresalen una versión sublime de Bird On A Wire, de Leonard Cohen y otra de Changing All Those Changes, de  Buddy Holly. 

Más:

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Página oficial de Madeleine Peyroux