DISCO NUEVO: "Tres", de Laura Ros

Laura Ros está presentando su tercer disco. Compartimos aquí su música y una entrevista con la cantautora.

La frescura de la realidad

La hija de Antonio Tarragó Ros reunió un puñado de piezas que se balancean entre la calidez y la tensión; entre la chacarera, el blues, el country y la vidala; entre lo que se toca y una forma de tocar determinada por el buen gusto.

Por Cristian Vitale

Cantante contundente y cálida a dosis iguales; guitarrista versátil, compositora de músicas y letras –también a dosis iguales–, intérprete y, por si faltara algo, productora. “La verdad es que tenía muy claro el sonido que quería y fue clave el laburo en estudio, porque la prioridad estaba en el audio que les sacara a los instrumentos... tenía que ser perfecto”, sentencia Ros.

Jamás lo diría ella, pero el plus matriz es que Tres es un espléndido disco de canciones. Once piezas que se balancean entre la calidez y la tensión; entre la chacarera, el blues, el country y la vidala; entre lo que se dice y una forma de decir intensa; entre lo que se toca y una forma de tocar determinada por el buen gusto. Por el propio, que deviene de su pluma musical y poética (ocho de las once canciones le corresponden) y por el ajeno, que no sólo se traduce en el trío básico, sino en una serie de colaboradores entre los que cuentan Javier Casalla, Chacho Ruiz Guiñazú, Tito Losavio, Daniel Patanchón y su compañero Federico Gil Solá. 

–¿Cómo construyó su personalidad musical frente a la de su padre? En principio, en sus canciones aparece poco y nada el litoral.

–Es que las circunstancias de su vida y las mías han sido tan diferentes, que es muy difícil que el resultado sea parecido. Por supuesto que hay puntos de encuentro. Por ejemplo, el tema de las melodías que para mí es el corazón de lo que hago, mucho más que la armonía. Y esto es muy de mi viejo, pero en esa coincidencia, a su vez, aparece una otredad, porque mis melodías tienen un color campestre, pero también un color urbano, una influencia de todo lo que escuché de rock argentino. Mis influencias no tienen nada que ver con las suyas. Celeste Carballo fue la que más me marcó en mi vida, pero también Mercedes Sosa, Julia Zenko, Bonnie Raitt o Mike Patton, cuya voz es un instrumento de amplios usos.

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DISCO NUEVO: "Júbilo", de Sofía Viola

La cantante y compositora Sofía Viola está presentando su tercer disco, "Júbilo". Compartimos aquí un adelanto del disco y una entrevista a la artista.

¿Quién es Sofía Viola? Es una cantora y compositora de 24 años que hace tiempo viene girando por el under con dos discos caseros bajo el brazo. Ahora acaba de publicar su tercer trabajo, Júbilo, que contó con minuciosos arreglos y producción de Ezequiel Borra. 

Coherente con su tiempo, en la canción de Viola parece caber de todo: folklore andino, chanson francesa, cumbia, vals, tango, canción rioplatense y una paleta amplia de colores y sonidos. Si bien eso ya había quedado claro en Parmi (2009) y Munanakunanchej en el Camino Kurmi (2010), ahora termina de definir su estética. De hecho, en Júbilo la instrumentación también es abundante: hay vientos, teclas, percusiones (caja africana, caja chayera, bombo legüero, redoblante) y muchas cuerdas (bajo, contrabajo, guitarra eléctrica, acústica y criolla, charangón). Y hasta hay un arpa paraguaya y dos canciones en guaraní. Su mérito, quizá, radique en su particular modo de interpretar y pararse en un escenario. Sofía Viola es muy escénica y su voz no pasa inadvertida. Es una juglar contemporánea. Su música tiene humor, calle, irreverencia, desfachatez y riesgo. “Mi viejo es muy chistoso y mi mamá también”, cuenta Viola. “Hice también como cuatro años de teatro con Raquel Pardo y quizá por ahí también viene el humor. Aunque siempre me salió solo. No quiero sobreintencionar las canciones, sino que trato de que sean naturales y frescas; no forzar nada. En este disco me comprometí más con la música que con el chiste. Quería un repertorio alegre aunque, por ejemplo, ‘Me han robado el mar’ es un drama”. 

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DISCO NUEVO: "El espíritu de la golosina", de Jimena López Chaplin

     El daguerrotipo del arte de tapa (formato de composición visual anterior a la fotografía) es tal vez un anzuelo para ir más allá con la imaginación y ver a López Chaplin como la heroína de una película de Tarantino que no se lucirá con artes marciales sino desenfundando su acústica, batallando a fuerza de canciones folkies y sonidos sombríos, con un fondo desértico o campero. El espíritu de la golosina lanza imágenes de un spaghetti western femenino, refinado y sutil, donde los violines hacen su aporte justo de delicadeza. Las guitarras eléctricas de Alfonso Barbieri instigan a cabalgar por esos paisajes en canciones como Distinta, Tiempo y A pesar del vuelo, escrita junto a María Ezquiaga (Rosal). Tal vez sea un fallido o puro mimetismo con sus composiciones, cuando Jimena dice que este flamante disco representa un momento en su vida, “el de tomar las riendas”, montar ese caballo e ir en busca de lo suyo.

     En un hilo conceptual e integral se suceden los temas, viajados por la armónica voz de López Chaplin. En Somos el cielo, de Los Visitantes, canta en dueto con Nacho Rodríguez (Onda Vaga) y alcanza el clímax del dulzor; en Lo que me gusta de vos es tu novio, de la mítica banda ska The Specials, le pone swing a un calipso tradicional y canta en castellano. Laberinto, de David Bowie, representa su infancia: “Ese tema forma parte de una película que yo vi hasta el hartazgo, al punto de saberme los diálogos”, cuenta esta chica que empezó con la música como una forma inevitable de matar el tiempo con una guitarra en mano y el encierro de las paredes de su cuarto adolescente y un hermano que le tiró una onda musical. Charly García, Todos Tus Muertos, Joaquín Sabina, Nirvana, Los Visitantes y sus genes artísticos le dieron de comer esos caramelos con los que luego Jimena alimentaría su vuelo musical.

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"Hound Dog", por Big Mama Thornton

Compartimos una presentación de la cantante Big Mama Thornton, una de las madres del Rock n' Roll, en 1965. 

La canción es Hound Dog,  blues de doce compases escrito por Jerry Leiber y Mike Stoller, grabado por Willie Mae "Big Mama" Thornton en 1952, y popularizado por Elvis Presley cuatro años más tarde.

Camila Moreno (1985, Santiago de Chile)

Presentamos a la cantautora chilena Camila Moreno. Compartimos algunas de sus canciones, y fragmentos de una nota de Juan Ignacio Babino para Página/12.

     Camila Moreno –veintisiete años, esa cara aniñada, esos ojos un tanto achinados, algunas pecas encima, el cuerpo como un haiku– construyó su recorrido musical cargándose encima lo tradicional de la música chilena (Mazapán, Víctor Jara, Violeta Parra) y también, y con mucha convicción, todo el rock que escuchó en su adolescencia (Radiohead, Pj Harvey, Nirvana, Bjork). Sus primeros discos tienen una impronta folclórica –aires de cuecas, de periconas, ritmos tradicionales y, en los últimos, late un pulso más rockero, eléctrico. 

     “Vamos a dedicar la siguiente canción a todas aquellas personas que creen que pueden comprarlo todo con el dinero, incluso un país”, dijo Camila sobre el escenario del Festival del Huaso Olmué, histórico encuentro folklórico de Chile. Entre abucheos y aplausos del público, Chile Visión cortó la transmisión. Millones es considerada a partir de aquel enero de 2010 como el primer himno antipiñerista. 

   “Incendié mi voz, florecí en el barro.” El estribillo de la primera canción de Panal puede entenderse como la descripción perfecta del espíritu del último disco de Camila: un disco híper producido pero que de ninguna manera deja de sonar natural. Hay en Panal guitarras criollas y eléctricas, baterías, piano, teclado, percusiones de todo tipo, cuerdas, cuatro, charango, vientos, coros, máquinas, loops, ruidos de auto, ecos de ríos, rechinar de caballos. Es este disco un latido intenso, pero que encuentra sus momentos de quietud; es un disco oscuro, pero que respira una vitalidad esencial.

     Camila Moreno sigue siendo aquella niña, pero la diferencia está en que ésta hizo del canto su nido.

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Karina Buhr (Salvador, 1974)

   Cantante y percusionista bahiana, Karina Buhr nació en Salvador y, a sus ocho años de edad, junto con su familia se radicó en Recife, desde donde vivió intensamente la ebullición cultural de la magnífica ciudad pernambucana, primero tocando percusiones y cantando en varios proyectos musicales. Fue con su banda Comadre Fulozhina que se reveló compositora y desde allí comenzó a gestar su propia carrera. Desde 2003, radicada en Saõ Paulo, también incursiona en teatro, desde donde realizará varias giras por el interior de Brasil y también en varias ciudades del mundo. Quizás el haber probado un poco de todo en materia artística, pueda sintetizarse en su performance en vivo, única e impactante.

     Editado en 2010 en Brasil, Eu Mentí Pra Você es el primer disco solista de Buhr. Fue elegido entre los mejores 10 discos del año por la Rolling Stone Brasil, y Buhr elegida como artista del año 2010, por la Asociación Paulista de Críticos de Arte.

    Eu Menti Pra Você es su álbum debut como solista, aunque más bien es su disco al frente de una banda impecable, capaz de coordinar los arreglos de base de la música popular brasileña con un sentido de la modernidad deudor de Nueva York y una estructura de sonido asentada en dos violeros grossos: Fernando Catatau, del grupo Cidadau Instigado y de los mejores que ha dado la música moderna en Brasil en la última década, y Edgard Scandurra, violero del grupo Ira!, que mezclan a Talking Heads con Radiohead. 

“No sé si mi música es moderna. Para mí es divertida y catártica, es lo que me preocupa. Pero es cierto que uno no puede decidir qué pasa con su música una vez que la muestra. Si sirve para abrir el espacio de reflexión en el público, maravilloso; pero mi único compromiso es con una música que me resulte sabrosa”, aclara Buhr.

En 2012 editó Longe de Onde, disco que nuevamente puso a Buhr entre los mejores del año según la prensa brasileña. El delicioso Eu mentí para vocé simplemente la ubicaba entre la cantidad de cantautoras que suelen aparecer dentro de la música brasileña. Pero con el poderoso Longe de onde se puso bien en primera fila. Porque ahí seguían estando las canciones, como la deliciosa “Nao me ame tanto”, que recuerda a la que titulaba su álbum debut. Pero desde el primer tema, el contundente rocker “Carapalavra”, Buhr deja claro que no va a permitir que la etiqueten fácilmente. 

Sus armas secretas siguen siendo los guitarristas Catatau y Scandurra, que si bien ya formaban parte de su grupo para el primer disco, tienen rienda suelta en Longe de onde. El resultado es un disco excitante, capaz de rockear así como de acariciar, en el que Buhr demuestra poder llenar esos zapatos que Rita Lee acaba de abandonar.

Los dos discos se pueden descargar desde la página oficial, a cambio de un posteo en facebook o un tweet.

Fuentes
Suplemento Radar, Página/12
Suplemento No, Página/12
Página oficial