Una perla de Billie Holiday

     Compartimos con ustedes una preciosa rareza: Billie Holiday, acompañada al piano por su amigo Teddy Wilson, interprentando "The Man I Love", de los hermanos Gershwin. 

     La grabación se realizó la noche en que Billie ganó el premio Golden Esquire, en 1947.

UN DISCO: "Canción de viaje", de Soledad Villamil

Por Sergio Sánchez
Página/12

En su último disco, Canción de viaje (2012), la actriz, cantante y compositora Soledad Villamil adoptó la principal particularidad del viajero: la inquietud por no quedarse siempre en un mismo lugar y descubrir nuevos paisajes, culturas y realidades. Es que si bien en sus dos trabajos anteriores como solista –Canta (2007) y Morir de amor (2009)– ponía el foco en el tango, en esta nueva etapa musical asumió el riesgo de abordar diversos géneros folklóricos de la región. De esa manera, la protagonista de El secreto de sus ojos recorre el cancionero popular latinoamericano y recupera a autores imprescindibles como Violeta Parra (“Maldigo del alto cielo”), Pablo Milanés (“De qué callada manera”), Leo Masliah (“Biromes y servilletas”), Homero Manzi (“Desde el alma”) y Fernando Maldonado (“Volver, volver”). Además, muestra cuatro composiciones propias atravesadas por la ausencia y la pérdida o el “desgarro amoroso”, como prefiere definir ella. En este nuevo trabajo, Villamil demuestra no sólo una interesante amplitud musical, sino una madurez como intérprete y cantante. Su voz se pasea por diversos colores y sonoridades: rumba, vals, bolero, trova, canción uruguaya y samba son algunos de los estilos que conviven en el disco.

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Amaranta Pérez (Venezuela)

Amaranta se inició desde pequeña en el canto, en agrupaciones corales, como el Orfeón de la Universidad Central de Venezuela (UCV) y el coro de cámara Cantarte, con quienes realizó giras por Asia y América del Sur, para luego incursionar en el jazz y la fusión. Ha formado parte de agrupaciones como Quinta Esencia y Amaranta, el Jazz Trío y el Ensamble de Radio Nacional de Venezuela, junto a Lilia Vera, Yolanda Delgado y Juan Carlos Núñez, ente otros. Además, fue integrante de la Camerata Barroca de Caracas y del ensamble de música renacentista Decamerón. Su formación artística la complementó cursando la licenciatura en Artes, mención Música, en la UCV y realizando investigaciones para la Dirección de Cultura de la Universidad Simón Rodríguez. David Carpio, Francisco Pacheco, Lilia Vera, Cecilia Todd, Rómulo García, Jesús “Chuchito” Sanoja, Eddy Marcano, Luis Pino, Rafael “El Pollo” Brito, Oscar Lista, Iván Pérez Rossi, María Rodríguez, Ismael Querales, Roberto Koch, Javier Marín, Lucienne Sanabria, Alberto “Beto” Valderrama Patiño y la agrupación Arcano, entre otros, son algunos de los artistas con los que ha compartido escena en diferentes salas del país. En su primer disco, Por aquí pasó Amaranta, muestra su propuesta artística. También ha participado en algunas producciones discográficas del compositor Rafael Salazar y de Venezuela Canta a Capela, del Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM). Actualmente, Amaranta es integrante del grupo experimental El Timbique, de la Universidad Simón Rodríguez.

"Honrar la vida", por Marilina Ross y Eladia Blázquez.

Marilina Ross y Eladia Blázquez invitadas, junto a Lito Vitale, al programa de televisión que tenía Sandra Mihanovich, interpretan el clásico "Honrar la vida"

Magdalena León ( España 1951, radicada en Argentina)

 Nació en Madrid, vivió su adolescencia en Caracas, Venezuela y luego se radicó con su familia en Buenos Aires, donde comenzó a cantar en el coro Lorenzo Perossi de Ituzaingó. Integró el emblemático grupo vocal "Buenos Aires 8" durante 12 años, con el que se presentaron en los escenarios más importantes de Argentina y Latinoamérica. Participó en los Festivales de "Oti" en Perú y "Oti" Argentina, "Festibuga" Colombia, "Ancón" Perú, representando en todos los casos a la Argentina, y logrando primero y segundo puesto. Realizó espectáculos y giras por la Argentina y toda Latinoamérica con Jaime Torres, Bernardo Baraj, Cacho Tirao y Miguel Angel Merellano "Cuando la cuerda recuerda", con Chango Farías Gomez, Mono Isaurralde, Lucho Gonzalez "Los amigos del Chango", con Oscar Cardozo Ocampo "Como en el living de casa", con Lito Vitale, con Opus Cuatro "Los Cantantes" y con Jairo. En San Pablo, Brasil realizó espectáculos junto al "Cuarteto Em Cy" y en Venezuela con Cecilia Todd, Lilia Vera, Serenata Guayanesa entre otros. Fue una de las solistas de "Mujeres Argentinas" de Ariel Ramirez y Félix Luna, junto a Perla Santalla y Marián Farías Gómez. Partició junto a Alejandra Boero en la obra de teatro "Versos Rebeldes". Intervino como soprano en la Primera Ópera Folclórica Argentina: "Tres delirios en visperas de la muerte" de J. L. Castinérira De Dios. Interpretó como soprano "El Mesías" de Hendel. Su repertorio se nutre de todos los ritmos y sones Latinoamericanos, poniendo énfasis en sus dos últimos espectáculos "Entre amigos" espectáculo declarado de interés cultural por la Secretaría de Cultura de Presidencia de la Nación y "Somos como somos, Tango" También grabó con Buenos Aires 8 "La última palabra", "Ruidos y Ruiditos para los más chiquitios" (Tarka), "Concierto en la Laguna" (Tarka), "Jaime Torres y su gente" (Alemania), "Cecilia Todd" (Acqua Records), "Opus Cuatro, 40 años", etc. Entre sus discos grabados se destacan: "Entre Amigos" (D.B.N:), "Para vivir" (Amarillo Records), "Magdagrafías" (Warner Music), "Magdalena León"(Warner Music), "Creceremos" (RCA), en su mayoría con arreglos y direción del Maestro Roberto Lòpez, quien también dirige la producción del nuevo trabajo "Somos como somos, Tango", espectáculo presentado en su gira por Italia y Francia en junio de 2011.
Desde el 3 de noviembre de 2012, Magdalena León colaboró con el tramo cultural de los Juegos Nacionales Evita, realizado en la ciudad de Mar del Plata, ArgentinaContando con casi 50 alumnos adolescentes (12-17 años), quienes ganaron las instancias regionales y provinciales del torneo, Magdalena dio clases de canto en la sala Nachman, ubicada en pleno centro marplatense. En el transcurso de la semana de actividades programadas, la cantante preparó a sus alumnos con técnicas vocales y respiratorias, entre ellos, el cantante tucumano Gastón Adanto, para cantar "Corazón Americano" y "Canción Con Todos".

Se realizó el espectáculo de clausura del tramo cultural de los juegos en el Auditorium Piazzolla, donde los adolescentes hicieron la apertura del espectáculo cantando las canciones practicadas en coro.

Camila Moreno (1985, Santiago de Chile)

Presentamos a la cantautora chilena Camila Moreno. Compartimos algunas de sus canciones, y fragmentos de una nota de Juan Ignacio Babino para Página/12.

     Camila Moreno –veintisiete años, esa cara aniñada, esos ojos un tanto achinados, algunas pecas encima, el cuerpo como un haiku– construyó su recorrido musical cargándose encima lo tradicional de la música chilena (Mazapán, Víctor Jara, Violeta Parra) y también, y con mucha convicción, todo el rock que escuchó en su adolescencia (Radiohead, Pj Harvey, Nirvana, Bjork). Sus primeros discos tienen una impronta folclórica –aires de cuecas, de periconas, ritmos tradicionales y, en los últimos, late un pulso más rockero, eléctrico. 

     “Vamos a dedicar la siguiente canción a todas aquellas personas que creen que pueden comprarlo todo con el dinero, incluso un país”, dijo Camila sobre el escenario del Festival del Huaso Olmué, histórico encuentro folklórico de Chile. Entre abucheos y aplausos del público, Chile Visión cortó la transmisión. Millones es considerada a partir de aquel enero de 2010 como el primer himno antipiñerista. 

   “Incendié mi voz, florecí en el barro.” El estribillo de la primera canción de Panal puede entenderse como la descripción perfecta del espíritu del último disco de Camila: un disco híper producido pero que de ninguna manera deja de sonar natural. Hay en Panal guitarras criollas y eléctricas, baterías, piano, teclado, percusiones de todo tipo, cuerdas, cuatro, charango, vientos, coros, máquinas, loops, ruidos de auto, ecos de ríos, rechinar de caballos. Es este disco un latido intenso, pero que encuentra sus momentos de quietud; es un disco oscuro, pero que respira una vitalidad esencial.

     Camila Moreno sigue siendo aquella niña, pero la diferencia está en que ésta hizo del canto su nido.

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Carlota Jaramillo, la Reina del pasillo

María Isabel Carlota Jaramillo Jaramillo, conocida en el medio artístico como Carlota Jaramillo (Calacalí, Ecuador, 09 de julio de 1904 - Quito, Ecuador, 10 de diciembre de 1987) fue una popular cantante ecuatoriana, llamada entre otros calificativos como "La Reina de la Canción Nacional".

De su abuelo materno y de su tío Timoleón Jaramillo heredó la afición por la música. Con ellos aprendió a rasgar la guitarra y a entonar ritmos de música mestiza. Cantaba en el seno de su familia con voz melodiosa y su madre la envió a proseguir sus estudios en el Normal Manuela Cañizares en Quito. Al conmemorarse el centenario de la batalla del Pichincha en 1.922 se organizó un Concurso de canto para aficionados en el teatro Edén de Quito. Intervino a dúo con su hermana Inés que hacia de segunda voz, fueron la única pareja femenina. El Jurado le otorgó el Premio Unico consistente en una guitarra y una guindola.

     En 1.935, luego de trabajar muchos años en teatro, inició su carrera artística cantando en vivo en la Radio Quito. En 1.938 la fue a buscar Carlos Cordovez Borja, propietario de la radio El Prado en Riobamba, estación que tenía mayor fuerza en la costa. "Era bonita, estaba bien equipada y su programación era solo musical. Mi marido cogió una guitarra y me acompañó en la pieza - Honda Pena - de la autoría de mi cuñado Ángel Leonidas Araujo, que fue la primera canción que yo grabé. Me puse delante del micrófono y canté. Esa fue una época nueva para mi, de triunfos. Las grabaciones se realizaban después de la una de la mañana en que mejoraba la luz eléctrica y la interpretación tenía que ser impecable pues el menor error obligaba a repetir íntegramente todo, ya que se grababa directamente. "

     "De mi primer disco se vendieron mil copias en cosa de un mes. El éxito se debió a que fue la primera vez que un artista grababa en el Ecuador. Mas, la época de oro de mi vida artística comenzó en 1.942 cuando grabé la segunda tanda de discos. Estaba en la plenitud de mi voz y de mi espíritu y comenzaron a llamarme la Reina del Pasillo ecuatoriano. "

     Cantó hasta que su compañero de vida dejó de existir. Más adelante su vida será más reservada dedicada a su familia. Quebrantos en su salud también impidieron su regreso a la música. Sin embargo nunca dejó de sentir el cariño de la gente, que la reconocía donde fuera.

     Rafael Díaz Icaza escribió: "Sus canciones dulces y melancólicas nos acompañaron en los días de las fiestas y en las horas del duelo. En sus labios el hombre de la calle descubría frases de los poetas románticos y modernistas y por esas transferencias involuntarias pero inevitables pasaron a ser formas propias de Carlota, maneras en que ella dijo la alegría o la tristeza del hombre corriente. Tuvo total y absoluta sinceridad y mucho amor a la tierra, sello particular y estilo inconfundible, se deslumbraba ante los hombres y las cosas elementales, tal su inocencia."

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Maria Cangiano

María Cangiano es una cantante, cantautora y compositora con una voz original entre los artistas que combinan la riquísima tradición de folklore latinoamericano, el tango y los ritmos africanos con las del mundo clásico y del jazz. Su trayectoria musical es un espejo de su vida gitana : Hija de inmigrantes italianos de raíces árabes creció en la Argentina escuchando desde niña música clásica y folklore, gracias a su padre y tango, gracias a su madre. Fue a los Estados Unidos a realizar un doctorado en historia y descubrió el jazz, el blues y la música africana. Tras completar su doctorado, dejó el mundo académico para seguir su sueño, el de ser cantante. Inspirada por su abuelo napolitano que era cantante de ópera, se entrenó como cantante lírica e interpretó muchos roles de mezzosoprano en companías reconocidas de Nueva York, tales como el Regina Opera, Dicapo Opera y Amato Opera. Desde el 2001 comenzó a cantar tango, transformándose en una de las mas reconocidas cantantes de tango de la escena nuyorquina. Presentando repertorio tanguero clásico y nuevo, compartió los escenarios del Blue Note, Joe’s Pub, Nuyorican Poets Cafe, Cornelia Street Cafe, Tischman Auditorium, Argentine Consulate, DROM, Tutuma Social Club, entre otros con músicos de la embergadura de los pianistas Fernando Otero y Octavio Brunetti, los contrabajistas Pedro Giraudo y Martin Balik, los percusionistas Quintino Cinalli y Mauro Satalino, el acordeonista Victor Prieto, los guitarristas Julio Santillan y Beledo y los bandoneonistas Raul Jaurena, Tito Castro y Juan Pablo Jofre Romarion entre otros. En el 2009-10 presentó su primer cd de tango: Baladas para mi vida y mi muerte: Tributo a Piazzolla en los Blue Note de New York y Milán. En el 2011 produjo su primer cd Corazón de mujer con canciones originales suyas y arreglos de dos reconocidos músicos argentinos: Quique Sinesi (guitarra) y Quintino Cinalli (percusión). Un anticipo del cd fue presentado en el famoso Joe’s Pub de New York en septiembre del 2012. La discográfica EPSA ha aceptado distribuirlo este 2013. Este año Corazón de mujer se presentará en Argentina, USA y Europa.

http://mariacangiano.tumblr.com/

Las Taradas, Orquestina de Señoritas

Las Taradas se van a presentar el domingo 28 de julio, a las 20:00 en C'Est laVie (55 e/ 4 y 5 n° 458, La Plata). Para conocer un poco más a este grupo formado por siete mujeres, compartimos una entrevista y escuchamos su disco, "Son y se hacen" (2012, RGS Music).

Canciones antiguas interpretadas hoy

Por Karina Micheletto, Página/12

     Se llaman Las Taradas, son una orquesta de señoritas y su nombre y formación son tan particulares como la música que hacen: un repertorio de lo más variado, hecho no tanto de clásicos como de “lados B” y que puede incluir tanto a Django Reinhardt como a alguna vieja canción italiana o brasileña, o alguna que popularizó Elvis Presley, o alguna de María Elena Walsh. Con una pátina estética de época que tira un link directo a los ’50, Las Taradas advierten sin embargo que no hay una búsqueda “vintage” en lo suyo: “Somos una Orquestina de Señoritas versión 2012, hacemos canciones antiguas interpretadas hoy”, se plantan. Las siete músicas que se subieron a este proyecto están presentando su disco debut, Son y se hacen.

     También la manera en que surgió el grupo es bastante particular, cuentan Las Taradas. Fue, en definitiva, a la inversa de lo que suele suceder, porque lo primero que apareció fue el nombre. “Estábamos con Paula Maffía viendo unos videos de las Bosswell Sisters, en donde cantan cabeza con cabeza, ¡una imagen muy tarada!”, cuenta Lucy Patané, que pone voz en el grupo (como todas las integrantes) y toca la guitarra. “Paula expresó su deseo de alguna vez tener una banda ‘con taradas así’, entonces ahí yo dije: ‘¡Si vas a hacer esa banda, ponele Las Taradas!’.” El asunto siguió al principio como un juego: “Pensando en armar una especie de dream team, convocamos a nuestras amigas y buenas músicas que admirábamos. Y así surgió –sigue Maffía–. Siempre estuvo claro que el repertorio iba a ser una época y no un estilo, y sobre todo acústico, ya que todas veníamos del rock”, recuerdan.

     “Creo que lo que hizo que este proyecto sea fructífero fue que todas veníamos con presiones de otros proyectos, y acá encontramos en un principio distensión”, reflexiona Martínez. “¡Luego se nos fue un poco de las manos! Empezó a venir mucha gente a los shows y nos subimos al viaje de grabar un gran disco”, se entusiasma.

    La formación de Las Taradas incluye una historia con personajes, asumidos por cada una de las integrantes: en escena (y en el arte del disco) ellas son Lucía de Paco, Encarnación de los Males, Cheetarah Rodríguez, Luisa Malatesta, Exaltación de la Cruz, Maricarmen Montengro y Nidia López do Pandeiro. Un juego que introducen de algún modo en el vivo, aunque el foco esté siempre puesto en la música y no en los personajes que la llevan adelante. “Lo de los personajes también arrancó como un juego: un juego de nombres de alteregos”, recuerdan. “En todos los encuentros o ensayos las historias van cambiando. Y en vivo es súper espontáneo, no hay nada de guión, nada pautado. Somos nosotras mismas”, aseguran.

–Es difícil llevar adelante un proyecto de siete integrantes. ¿Cuáles son los pro y los contra de ser una banda populosa?

Lucy Patané: –Ser un grupo numeroso hace que quizá sea un grupo difícil de mover, para viajar, para probar sonido... Pero a la vez es muchísimo más positivo, no sólo a la hora de repartir tareas, sino que también la energía del grupo mismo se distiende en todas nosotras. No es lo mismo una banda de tres personas: aunque parezca que es a la inversa, tratar un problema es muchísimo más trabajoso en un grupo de tres que de siete personas.

–El repertorio es realmente muy variado, aquí sí que cabe el adjetivo gastado: “ecléctico”. ¿Cómo lo armaron?

Paula Maffía: –El repertorio surge de manera muy natural y espontánea. Está claro que no hacemos “clásicos”, sino más bien “lados B”. Esta idea de no hacer un estilo, sino una época nos dio el pie a cada una de nosotras a investigar. Todas venimos del palo del rock, entonces creo que lo que hace interesante a Las Taradas es que no tenemos una manera ortodoxa de interpretar estas canciones, sino que las adecuamos al estilo de cada una, a esta época. Por eso Las Taradas ya tienen su propio estilo. El disco se grabó en Estudios ION, en vivo, todas juntas, sin auriculares, como se grababa antes. Queríamos escucharnos realmente de manera directa. La mezcla, a cargo de Pablo Hadida, también fue llevada de manera analógica. Eso sí, no buscamos un sonido “vintage”: somos una Orquestina de Señoritas versión 2012, hacemos canciones antiguas interpretadas hoy.

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Karina Buhr (Salvador, 1974)

   Cantante y percusionista bahiana, Karina Buhr nació en Salvador y, a sus ocho años de edad, junto con su familia se radicó en Recife, desde donde vivió intensamente la ebullición cultural de la magnífica ciudad pernambucana, primero tocando percusiones y cantando en varios proyectos musicales. Fue con su banda Comadre Fulozhina que se reveló compositora y desde allí comenzó a gestar su propia carrera. Desde 2003, radicada en Saõ Paulo, también incursiona en teatro, desde donde realizará varias giras por el interior de Brasil y también en varias ciudades del mundo. Quizás el haber probado un poco de todo en materia artística, pueda sintetizarse en su performance en vivo, única e impactante.

     Editado en 2010 en Brasil, Eu Mentí Pra Você es el primer disco solista de Buhr. Fue elegido entre los mejores 10 discos del año por la Rolling Stone Brasil, y Buhr elegida como artista del año 2010, por la Asociación Paulista de Críticos de Arte.

    Eu Menti Pra Você es su álbum debut como solista, aunque más bien es su disco al frente de una banda impecable, capaz de coordinar los arreglos de base de la música popular brasileña con un sentido de la modernidad deudor de Nueva York y una estructura de sonido asentada en dos violeros grossos: Fernando Catatau, del grupo Cidadau Instigado y de los mejores que ha dado la música moderna en Brasil en la última década, y Edgard Scandurra, violero del grupo Ira!, que mezclan a Talking Heads con Radiohead. 

“No sé si mi música es moderna. Para mí es divertida y catártica, es lo que me preocupa. Pero es cierto que uno no puede decidir qué pasa con su música una vez que la muestra. Si sirve para abrir el espacio de reflexión en el público, maravilloso; pero mi único compromiso es con una música que me resulte sabrosa”, aclara Buhr.

En 2012 editó Longe de Onde, disco que nuevamente puso a Buhr entre los mejores del año según la prensa brasileña. El delicioso Eu mentí para vocé simplemente la ubicaba entre la cantidad de cantautoras que suelen aparecer dentro de la música brasileña. Pero con el poderoso Longe de onde se puso bien en primera fila. Porque ahí seguían estando las canciones, como la deliciosa “Nao me ame tanto”, que recuerda a la que titulaba su álbum debut. Pero desde el primer tema, el contundente rocker “Carapalavra”, Buhr deja claro que no va a permitir que la etiqueten fácilmente. 

Sus armas secretas siguen siendo los guitarristas Catatau y Scandurra, que si bien ya formaban parte de su grupo para el primer disco, tienen rienda suelta en Longe de onde. El resultado es un disco excitante, capaz de rockear así como de acariciar, en el que Buhr demuestra poder llenar esos zapatos que Rita Lee acaba de abandonar.

Los dos discos se pueden descargar desde la página oficial, a cambio de un posteo en facebook o un tweet.

Fuentes
Suplemento Radar, Página/12
Suplemento No, Página/12
Página oficial

DISCO NUEVO: "Instante", de Marina Luppi

     Marina Luppi, profesora de música y directora de coros, comenzó a presentarse en escenarios en 2008 a dúo con María Laura Caballero, componiendo y difundiendo obras de nuestra música por diferentes ciudades de nuestro país. Aquel año comienza a vincularse con “Charangos del Mundo” y actúa en la ciudad peruana de Cusco. Durante los años 2009 y 2010 trabaja con diferentes formaciones instrumentales, presentándose en Salta, Jujuy y Buenos Aires. En 2011 vuelve a presentarse en el prestigioso ciclo “Charangos del Mundo”, esta vez en Pasto, Colombia, junto a Pilo García, y forma el grupo musical que la acompaña actualmente.

    

    El disco Instante (Epsa Music, 2012) fue hecho por Marina Luppi, Leonardo Andersen, Aníbal Domínguez, y Pablo Quiñones, quienes cantaron, tocaron, compusieron y arreglaron canciones tanto del folklore argentino como de compositores latinoamericanos.

    Leonardo Andersen, guitarrista del grupo, demuestra una sólida formación artística no sólo en el acompañamiento sino también en los interesantes arreglos de las melodías. Aníbal Domínguez  no le va en zaga con cuidadas interpretaciones en quena y flauta traversa, de indudable belleza.

     Juan Falú, Pilo García, Liliana Herrero, Pablo Fraguela, y desde Chile Danilo Toledo Gavilán y Antonio Morales también dejaron su sonido en él y el maestro Juan José Manauta nos ha regalado sus versos.Uno de los méritos de Marina es interpretar un repertorio de canciones poco difundidas de grandes creadores argentinos, como Ay, provincia tendida, aire de triunfo de Francisco Lanusse y Carlos Moscardini y la Zamba del lino, acompañada aquí por Liliana Herrero y por la voz del autor entrerriano Juan José Manauta. Garzas viajeras, creación de Aníbal Sampayo, resalta en la hermosa voz de Marina, acompañada por Leonardo y Aníbal, a quienes se suma Pablo Quiñones en percusiones.  

     Siguiendo con una buena elección de repertorio, Luppi aporta varias obras de Jose Antonio “Pepe” Núñez y Juan Falú, como Rosario Pastrana, Gato panza arriba (obviamente en ritmo de “gato”) y Zonko querido.  

       La música es un vehículo maravilloso para transitar la vida. Este es sólo un disco. Una hermosa oportunidad para el encuentro con cada una de las personas que lo habitan. Un momento compartido. Un instante: lo efímero… y el presente continuo.

Fuentes:

Epsa Music

Sonidos de mi Argentina

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Francesca Ancarola (Chile)

 Francesca Ancarola - Allá

Cantante y Compositora chilena. Su trabajo musical combina la riqueza del folclor sudamericano con los colores y estructuras propias del jazz. Víctor Jara, Violeta Parra, Milton Nascimento, Chabuca Granda, Silvio Rodríguez y Chico Buarque son algunos de los creadores que han influenciado su música. Siendo una de las cantantes de mayor reconocimiento en su país, Francesca ha cantado en eventos y festivales de música entre los que destacan el Festival de Jazz de Ouro Preto, el Festival de Jazz de Lisboa, la gira junto a su banda por los pirineos franceses en el Festival CulturAmerica de Pau, El Festival Americanto de Mendoza y recientemente el Festival Folclórico de la Patagonia. Ha realizado conciertos junto a destacados artistas y proyectos entre los que destacan Pedro Aznar, Antonio Restucci , Ensamble Quintessence, Carlos Aguirre, Léa Freire y Yamandú Costa.
 Tiene siete discos editados a la fecha y el último de ellos es "ARRULLOS" (Shagrada Medra para Argentina / Unicef para Chile), el que reúne canciones de cuna latinoamericanas de autores tales como Daniel Viglietti, Eliseo Grenet y Jorge Fandermole entre otros autores. Este álbum fue realizado junto al destacado músico de Paraná Carlos Aguirre y recientemente fue nominado en Chile al Premio Altazor 2009 en la categoría música alternativa. En Diciembre próximo editará su octavo disco solista titulado TEMPLANZA, el cual incluirá canciones principalmente de su autoría.
Su discografía como solista incluye :
"Que el canto tiene Sentido" (1999) "Pasaje de ida y vuelta" (2000). Premio Fondart y Premio ALTAZOR 2001 "Jardines Humanos" (2002) "Sons of the Same Sun" (2003) Nominado a INDEPENDENT MUSIC AWARDS en EE.UU. 2003 "Contigo Aprendí" (2004) "Lonquén, Tributo a Víctor Jara" ( 2006), ALTAZOR 2007 "Arrullos"(2009) "Templanza"(2012)

Templanza (2012)

"...timbres que sorprenden con su elegancia y su precisión auditiva, líneas melódicas que ya se pueden establecer como muy propias del registro vocal de esta artista, grabadas con una limpieza notable como también un repertorio de ritmos que se deslizan entre la música brasilera y afroperuana en lo que sea tal vez el disco más cosmopolita y moderno, por temperamento y no por tecnología o usos de electrónicas, de todos los que Francesca ha producido hasta ahora..." (Fabio Salas Zúñiga)

Arrullos (2008)
"Un disco a dùo junto al pianista argentino Carlos Aguirre que reùne canciones de cuna latinoamericanas." Hermosos como cada uno de los temas y vulnerables o delicados, como cada una de las interpretaciones que ambos músicos son capaces de expresar. Como ocurre con las composiciones del propio Aguirre, de la propia Ancarola o de Hugo Moraga que le da nombre al disco." Jordi Berenguer

Lonquen (2007)
"Premio ALTAZOR y Fondo de la Mùsica. Puede que alguien haya llegado tarde a sus brazos de y no perciba el cambio de piel que muestra ahora, cuando es ya una mujer hecha e izquierda, y una artista consolidada. Puede que Francesca Ancarola sea antidiva, pero es estrella igual y hoy ha hecho de Lonquén su mejor disco solista." Iñigo Dìaz.

Contigo Aprendí (2004)
Album por encargo dedicado al bolero para los Estudios de Radio Horizonte. Participan Carlos Aguirre, Sebastián Almarza y Antonio Resctucci entre otros.

FRANCESCA ANCAROLA | playlist

Sofía Rei (Argentina)

Sofía Rei Koutsovitis es una cantante, compositora, arregladora y productora argentina. Actualmente instalada en New York, debutó a los 9 años como integrante del Coro Estable del Teatro Colón. Algunos años más tarde (en 2001) se fue a Boston a estudiar canto, composición e improvisación para radicarse en New York en 2005. No ha perdido el tiempo, habida cuenta de las giras que ha realizado por Asia, Europa, Estados Unidos y Sudamérica y por sus trabajos, presentaciones o colaboraciones con artistas como John Zorn, John Scofield, Avantango, Maria Schneider y un larguísimo etcétera.

     Sofía debutó discográficamente en el año 2006 con "Ojalá", editado en E.E.U.U. en forma independiente. El disco incluye composiciones propias, versiones de temas de Silvio Rodríguez -adivinen cuál-, Carnota, Cuchi Leguizamón, Falú/Dávalos, Paulinho Da Viola, Ica Novo y el clásico "You Don’t Know What Love Is", más la musicalización del tremendo poema de Jorge Luis Borges "El suicida".

     Koutsovitis editó, a finales de 2009, su segundo CD como solista titulado "Sube azul". A diferencia de su antecesor, la cantante se hizo cargo de la mayoría de las composiciones del CD, así como también de los arreglos y de la producción (junto con Jorge Roeder). Todos los temas están interpretados en castellano, partiendo desde diversos ritmos latinoamericanos pero incorporando elementos de, entre otros, jazz, música de cámara y ritmos africanos; el acompañamiento instrumental difiere en cada una de las composiciones, aunque el núcleo está conformado por su propio grupo.

 

     En 2012 le llegó el turno a "De tierra y oro", que cumple con ciertas premisas instaladas y certificables en sus discos solistas anteriores. Porque Sofía Rei, en los Estados Unidos, no se ha entregado mansamente sino que, haciendo uso de sus convicciones, se ha integrado a la escena musical norteamericana (y europea y asiática) con sus propias composiciones, cantando en castellano y echando mano al acervo cultural / musical latinoamericano. Y lo hizo de perlas. Por supuesto que para que ello fuere posible, Sofía Rei cuenta con dotes vocales poco habituales, un enorme talento a la hora de componer, arreglar, producir e interpretar y una potente personalidad.

    Con "De tierra y oro", se consolida como una de las voces más expresivas de los últimos tiempos. Esto no sólo remite a su país de origen ni tampoco anula otras dotes de, al menos, similar valía: sus textos, composiciones, arreglos, personalidad y liderazgo no son cualidades fáciles de encontrar (todas) en una artista.

     Que en "De tierra y oro" conjuga elementos de diferentes estilos (como el jazz, la libre improvisación y los distintos ritmos latinoamericanos –chacareras, landós, tamboras, carnavalitos-) logrando, como resultante, un sonido singular en el que cohabitan en perfecta armonía bombos legüeros, guitarras eléctricas y acústicas, trombones, arpas, trompetas, maracas, marimbas, charangos, loops, cajones, congas, contrabajos, etc.

     Sofía Rei, además, no reniega de sus raíces ni le escapa a los permanentes desafíos en los que se ha (y la han) involucrado, aportando sus capacidades y nutriéndose, con un espíritu inquieto infrecuente, de elementos que sabe absorber para luego ponerlos al servicio de su música.

Una gran artista a descubrir.


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Página oficial

UN DISCO: "Ningún lugar", de Gabriela Torres

     La cantante y compositora Gabriela Torres, que debutó discográficamente en 1994 con Sin cielo ni gloria, producido por Lito Vitale, presentó en 2012 su último registro, Ningún lugar, editado en forma independiente y con arreglos y dirección musical de Luis Volcoff.

     El sexto álbum de Torres contiene diez composiciones, la mayoría de su autoría, donde la cantante ofrece una fuerte impronta rioplatense (tango, candombe, milonga) y toques de bossa nova y ritmos latinoamericanos. Ningún lugar es un disco cálido, alejado de las estridencias, con una amplia paleta sonora y un particular hincapié en los textos.

     Torres ratifica sus bondades vocales y compositivas brindando aquí un trabajo homogéneo a pesar de la diversidad estilística imperante. Dentro de un nivel muy parejo, destacan la calidez de Busco, el espíritu candombero con aires de milonga de Un Chicupá, y el cierre, con la intimista A veces.

     Ningún Lugar muestra a Torres en un estado de madurez compositiva e interpretativa que hace desear que, para su próximo registro, no debamos esperar tanto…

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Leer más: Entrevista en Página/12

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Elba Picó en memoria

Adiós a Elba Picó 

 La cantante argentina Elba Picó falleció el pasado viernes víctima de un cáncer en Barcelona, ciudad donde estaba establecida desde 1976. Elba PicóElba Picó, quien mantuvo vivo el tango en Barcelona —ciudad que la acogió desde 1976— falleció el pasado viernes 12 de julio a los 71 años. Elba Rosa Picó de Navas nació en Buenos Aires (Argentina) en el porteño barrio de La Paternal. A muy temprana edad demuestra sus inclinaciones artísticas, por lo que asiste a clases de danza con Clarita Carbonell, más tarde de piano en el Conservatorio Fracassi, de canto con María Pacreu , Ramón Contreras y Fernando Bañó, de expresión corporal en la escuela de Fedora Aberasturi y con Teresa Grillé. Ya como cantante incursiona en las músicas populares de Latinoamérica, especialmente en el folclore argentino, colaborando en la Antología de las Canciones Folklóricas de la Argentina, para el Instituto Nacional de Musicología en 1969. Forma parte del Quinteto Clave, grupo vocal e instrumental dedicado a la música latinoamericana. El tango es el género en el que desarrolla la mayor parte de su vida profesional. Debuta en El viejo almacén, acompañada al piano por Carlos García en 1972. En el año 1974 Héctor Stamponi la invita a integrar su conjunto, actúa con él en Caño 14 durante los años 1974 y 1975. Es la voz del disco Romance y Tango que graba Stamponi para Music Hall Argentina, 1975. Cátulo Castillo la elogia diciendo de ella: "Es una de las mejores y más delicadas voces que he escuchado en estos últimos tiempos". En 1976 se establece en Barcelona, allí forma junto a Jorge Sarraute y Esteban (Rabito) Vélez el grupo Tango a tres, con el que graba el disco La última curda para el sello GBBS, en 1989. En 2001 graba el CD Quedémonos aquí, acompañada por el quinteto de Jorge Sarraute, para el sello Picap. En 2007 presentó su último CD, Caricias de Mimí, recuerdos de Manon editado por XL música (Batiendo Récords) con arreglos y bandoneón de Pablo Mainetti.

Neruda por Mercedes Sosa y Chavela Vargas

En la fecha en que se recuerda el nacimiento del poeta chileno, compartimos dos interpretaciones de su obra.

Mercedes Sosa - Poema 15

(Me gustas cuando callas)

Chavela Vargas - Poema 20 

DISCO NUEVO: Isabel de Sebastián

     Fue una de las pocas mujeres en el rock local de los ’80, una chica rebelde y aristocrática, nieta de Rafael Alberti, integrante de las Bay Biscuits, fundadora de Metrópoli, dueña de una voz hermosa que cantó hits como “Héroes anónimos” y coros con Virus y Spinetta. En 1989 se fue a Nueva York y se enamoró de Bob Telson, el autor de la música de Bagdad Café. Allá vivió hasta 2003, cuando decidió volver a la Argentina. Y ahora decidió, también, volver a la música con un disco que lleva su nombre, entre sus perlas, un poema de su abuelo musicalizado por Spinetta. Un disco de regreso sin estridencias, con el encanto de siempre.

     

     Isabel es capaz de cantar canciones de Daniel Melingo y Carmen Baliero, rapear con Machito Ponce y homenajear a Mercedes Sosa, todo en un mismo disco. Y también de recuperar rastros de su pasado, como aquel Héroes anónimos que se mantuvo vigente gracias a Catupecu Machu, y un sorprendente En camino, que compuso con Gustavo Cerati para el disco Signos (1986), de Soda Stéreo, un detalle que la confirma como protagonista de aquellos ’80, aun cuando –como intenta explicar– por haberse ido a Sevilla, supo perder su silla. Pero Isabel de Sebastián no perdió el tren –o el colectivo, digamos–, y quiere estar de vuelta. Uniendo mundos y estilos. Presente y pasado. Canción a canción.

Viaje al más acá, Martín Pérez, Página/12. (Nota completa)

     De adelante para atrás, Isabel de Sebastián mezcla momentos de una misma historia. La dupla con su pareja Bob Telson se concreta en Aquí, una de las joyas de un disco que tiene varias, compuesta a cuatro manos. Con clima de western en los Valles Calchaquíes, De Sebastián se escucha reconcentrada en la pertenencia, después de tanto viaje y camino. En Te mataría, le pone voz ominosa a un bolero criminal de la pluma de Carmen Baliero. Y puede dar un salto festivo con la cumbia peruana Cariñito (con rapeo de Machito Ponce) sin que se pierda el hilo del sonido general. Y para Corazón y hueso, limpia la versión original de Daniel Melingo, tanguera y sucia, y cambia los violines por guitarra surfer para un viaje rutero de antología. Más allá en el tiempo, los 80 tienen su momento. La versión de En camino, con Leo García haciendo de perfecto copiloto, suena a rock californiano terso con sus nuevos arreglos. Y el hit perpetuo de Metrópoli, Héroes anónimos, baja un cambio, pero no pierde una pizca de épica.

     Para el final del disco, el comienzo. El álbum termina con las primeras señales de la hoja de ruta de la cantante. Ese mapa arranca muy lejos, en su niñez, con Rafael Alberti, pareja de su abuela. Del gran poeta, con música de Luis Alberto Spinetta, suena conmovedora Canción del ángel sin suerte. “Le di a Luis el libro Sobre los ángeles de Rafael Alberti (marido de mi abuela María Teresa León por más de medio siglo) para ver si se inspiraba. A la semana vino con este tema. El año pasado, atravesada por la ausencia de Luis, traté de encontrar la versión que había grabado para un disco que nunca llegó a mezclarse, pero se me había traspapelado. Por suerte la encontré en un cassette y se la pasé a mi banda”.

De Rafael Alberti a Soda y Spinetta, una autobiografía, Guillermo dos Santos Coelho, Clarín (Nota completa)

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